Investigación origami Modular

Investigación de biónica

¿Qué es la biónica?

— —Es una rama de la cibernética que estudia la biología con el fin de obtener conocimientos útiles para idear proyectos y realizar aparatos y sistemas electrónicos.

— —Trata de simular el comportamiento de los seres vivos haciéndolos mejores en casi todas las ramas por medio de instrumentos mecánicos.

— La biónica ha existido desde el principio del ser humano.

— Comenzó con la creación de herramientas o artefactos que ayudaron al hombre a desempeñarse mejor en su ambiente.

— Existen inventos modernos que están inspirados en modelos biológicos tales como:

✓ El Radar: Inspirado en la eco-localización que utilizan los murciélagos para no chocar en la oscuridad.

✓ El Velcro: Basado en aquellas plantas que se adhieren a las ropas por medio de ganchillos.

✓ Trajes de buzos: Hechos de un material que se asemeja a la piel que cubre a los delfines.

¿Qué es el eco-diseño?

— Se refiere a la metodología aplicada al diseño de un producto y de su proceso de fabricación orientada hacia la prevención o reducción del impacto medioambiental de esos productos y procesos.

— Las prácticas del eco-diseño se distinguen por integrar criterios medioambientales al producto y su proceso a lo largo de su ciclo de vida.

— El eco-diseño no es más que el proyectar algo con el mínimo uso de recursos (agua, energía,materiales) y la mínima generación de desechos (vertidos, emisiones,residuos) en cada una de las etapas del ciclo de vida.

— Esto supone ahorro para el que produce y beneficios para el medio ambiente.

Aplicaciones

— Sillón: Papel prensado extensible que se moldea como un sillón y se degrada fácilmente al cumplir su vida útil.

— Esculturas: Elaboradas con botellas plásticas y material reciclado en general.

— Asientos: con madera de bosques cultivados, algodón orgánico, látex natural, cáñamo natural, y su terminación está aplicada con linaza natural. Cómodos y dinámicos.

— Bio-Glass: Realizado100% a base de vidrios reciclados, los colores dependen de los componentes de dichos materiales.

Proyecto 3 Móvil

Móvil

Este proyecto consistió en la representación abstracta de una pieza musical a travez de un móvil; para ello investigamos a ciertas personas que destacan en esta área.

La experiencia fui muy divertida y satisfactoria ya que es muy impresionante como cada persona percibe la música y como se identifica el móvil con la pieza musical.

Mi móvil se llama memories esta inspirado en la pieza musical de Richard CLayderman "Balada a Adelina"

Descripción de la pieza:

Perceptual:

1. Alegría
2. Nostalgia
3. Cariño
4. Tranquilidad
5. Amor
6. Ilusión

Formal:

1. Equilibrada
2. Secuencia
3. Acento
4. Simetría
5. Pregnancia
6. Actividad

Arte cinético y Op Aart

El arte cinético y el Op art son obras basadas en la estética del movimiento.

Pueden ser representados por móviles los cuales si tiene movimiento propio debido a los materiales pero se fundamenta en ilusiones ópticas a diferencia del Op art que la idea es provocar en el espectador ilusiones de vibración o relieve, como lo podemos ver claramente en la obra de Vasarely, la Zebra.

Como principales representantes de estos movimientos están Alexander Calder famoso por sus móviles y considerado uno de los más innovadores del siglo XX, y precursor de la escultura cinética.

Y Víctor Vasarely considerado a menudo como el padre del Op Art.

El arte cinético y el arte óptico son corrientes artísticas basadas en la estética del movimiento. Está principalmente representado en el campo de la escultura donde uno de los recursos son los componentes móviles de las obras.

Arte Cinético: Puede basarse en las ilusiones ópticas, en la vibración retiniana y en la imposibilidad de nuestro ojo de mirar simultáneamente dos superficies coloreadas, violentamente contrastadas.
Las primeras manifestaciones de arte cinético se dan en los años 1910, en el movimiento futurista y en ciertas obras de Marcel Duchamp. Más adelante, Alexander Calder inventa el móvil, un tipo de escultura formada por alambre y pequeñas piezas de metal suspendidas que son movidas ligeramente por el desplazamiento del aire. La expresión arte cinético es adoptada hacia 1954, para designar las obras de arte puestas en movimiento por el viento, los espectadores y/o un mecanismo motorizado.
En pintura y esculturas es una tendencia contemporánea creada para producir una impresión de movimiento.

Arte Óptico (Op Art): Es otro movimiento artístico que se inició a finales de los años 50. Consiste en transmitir al espectador la ilusión de vibración o relieve, gracias a las leyes de la óptica, sobre la superficie plana de un cuadro. A diferencia del arte cinético aquí no hay movimiento real. Algunos autores señalan que el origen remoto del Op Art puede derivarse tanto de las bellas artes como de las artes populares o de la artesanía. Esta expresión tiene su origen en la expresión inglesa de arte óptico: Optical Art.

Constructivismo: El constructivismo fue un Movimiento Artístico y Arquitectónico que surgió en Rusia en 1914 y se hizo especialmente presente después de la Revolución de Octubre.

Es un término de uso frecuente hoy en el arte moderno, que separa el arte "puro" del arte usado como instrumento para propósitos sociales, a saber, la construcción del sistema socialista.

Este movimiento implica que la obra de arte sea una construcción, que se articule como un edificio y se realice siguiendo métodos análogos.

Victor Vasarely: Fue un artista al que se ha considerado a menudo como el padre del Op Art.

Comenzó a estudiar medicina en Hungría, pero dejó la carrera al cabo de dos años. Se interesó entonces por el arte abstracto y por la escuela de Muheely (principios de la Bauhaus),

Se trasladó a París al principio de los años 1930 y allí trabajó como grafista. En esta ciudad desarrolla su primer trabajo mayor, Zebra, que se considera hoy en día la primera obra de Op art. Durante las dos décadas siguientes, Vasarely desarrolló un modelo propio de arte abstracto geométrico, con efectos ópticos de movimiento, ambigüedad de formas y perspectivas, e imágenes inestables. Utilizó diversos materiales pero usando un número mínimo de formas y de colores. Tenía consideración por la pintura mesurada, reposada, racional y serena (redes, tramas).

Alexander Calder: Escultor estadounidense de gran vitalidad y versatilidad, famoso por sus móviles, considerado como uno de los artistas más innovadores e ingeniosos del siglo XX.

Es mejor conocido como el inventor del móvil o chupín (juguete móvil colgante), un precursor de la escultura cinética.

En 1926, se trasladó a París y comenzó a crear figurillas de animales de madera y alambre; de aquí fue que desarrolló sus famosas miniaturas circenses. En los años 1930, se hizo célebre en París y los Estados Unidos por sus esculturas de alambre, al igual que por sus retratos, sus bosquejos de línea continua y sus abstractas construcciones.

En escultura el móvil (en inglés mobile) es un modelo abstracto que tiene piezas móviles, impulsadas por motores o por la fuerza natural de las corrientes de aire motorizadas.

Carlos Cruz-Diez: Es uno de los máximos representantes del op art a nivel mundial. Nació en Caracas, Venezuela. La obra artística de Cruz-Díez ha sido catalogada a veces como sistemática o automática. Sin embargo, tal apreciación es sumamente precipitada y superficial. La sensibilidad artística de la obra de Cruz-Díez reside en su carácter experimental; el autor no busca un arte intimista, por considerarlo egoísta: y aunque trabaja apoyado en patrones, ritmos y sistemas, para Cruz-Díez, el arte debe ser experimentado, vivido y compartido. Por ello se centra en recrear el entorno propicio para que las personas vivan el arte, logrando una interactividad entre la obra y su observador: así se elabora un arte que busca situar a quien lo disfruta como parte de él, y hacerle conocer que la experimentación con el entorno es lo que construye su forma de arte. De allí el juego con los colores y los reflejos entre obra y espectador: el humanismo de la obra de Cruz-Díez la crea el observador cuando participa de él, su relación con el ser humano estriba en las reacciones emotivas e incluso físicas que despiertan las obras en éste.

Jesús Rafael Soto: Nacido en Ciudad Bolívar, al sur de Venezuela, el 5 de junio de 1923, empezó pintando carteles para los cines y obtuvo una beca para cursar estudios en la Escuela de Artes Plásticas de Caracas. A comienzos de la década de los años cincuenta, creó las primeras manifestaciones del arte cinético. En principio se trataba de cuadros estáticos que provocaban la sensación de dinamismo o vibración merced a la superposición de materiales y al movimiento del espectador frente a la obra. Basándose en elementos sencillos, tales como líneas, cuadrados y puntos, alineados en un determinado orden y repetidos, fue creando un estilo personalísimo que adquiría pronto el rango de escuela pictórica.

Julio Le Parc: Pintor cinético, dibujante y grabador argentino formado en Francia, que en 1960 fundó el Groupe de Recherche d'Art Visuel (GRAV). Artista revolucionario e innovador que ha contribuido con sus obras al arte cinético y óptico. Desde 1958 reside en París, ciudad donde abandonó los medios tradicionales y clásicos de la pintura para experimentar en resonancias, movimientos rotatorios y giratorios, reflejos, luces y sombras. Fundó escuelas de arte e investigó sobre lo visual, el movimiento y los colores, creando junto a otros vanguardistas argentinos y franceses la Nueva Tendencia del Arte Cinético.

Yaacov Agam: Comenzó sus estudios artísticos con el maestro Mordechai Ardon en la Escuela de Artes y Oficios de Bezalel, luego se trasladó a a Zúrich y luego a la Academia de Arte Abstracto de París.

Su obra se destaca por la interactividad que existe entre artista y espectador ya que las obras de Agam suelen tener una pantalla y pequeñas perforaciones por las cuales la obra se ve de distintas maneras según el enfoque de quien mira su arte. Por otra parte, sus esculturas son generalmente de acero inoxidable y tienen grandes dimensiones.

Proyecto 4 Libro-Arte

Pop Up

El epíteto pop-up se suele aplicar a cualquier libro tridimensional o móvil, aunque apropiadamente el término "libro móvil" abarca los libros pop-ups, transformaciones, libros de (efecto de) túnel, volvelles, solapas que se levantan (flaps), pestañas que se jalan (pull-tabs), imágenes emergentes (pop-outs), mecanismos de tiras que se jalan (pull-downs) y más.

Al diseño y creación de estos libros se le conoce como ingeniería de papel, tiene semejanza con el origami ya que los dos artes emplean papel doblado.; pero la diferencia está en que el origami se basa en la creación de objetos mientras que los pop up son esencialmente visuales y mecánicos en su naturaleza.

Transformaciones

Las transformaciones muestran una escena formada por listones verticales. Tirando de una pestaña lateral, los listones se deslizan por debajo y por encima de los otros con lo que la imagen se "transforma" en un escenario totalmente diferente.

Volvelles

Volvelles son construcciones de papel con piezas giratorias. Uno de los primeros ejemplos es el Astronomicum Caesareum, por Petrus Apianus, que se hizo para el Emperador del Sacro Imperio Romano Carlos I de España/Carlos V de Alemania en 1540. El libro está lleno de piezas circulares anidadas girando sobre aros o anillos.

Tunnel Books

Los libros de (efecto de) Túnel (también llamados "show de mirones" -peepshows-) se componen de dos piezas planas de cartón, con unos agujeros enmedio de una de las piezas, y un papel doblado al estilo concertina (en zigzag) uniéndolas (formando un tubo en forma de acordeón). Las escenas están pintadas en el cartón de la parte trasera, en la parte interior del tubo de papel, y a veces los elementos se colocan en la linea de visión. El observador levanta el tablero superior, con lo cual se extiende el tubo, y al asomarse por el agujero aprecia una escena tridimensional.

Libro:

Conjunto de muchas hojas de papel u otro material semejante que, encuadernadas, forman un volumen.

Libro Arte

Un libro de artista es un objeto artístico que tiene forma de libro.
Esta sería una definición general pero hay otros factores a considerar. La imagen y el texto se conjugan, predominando en general aquella sobre éste. A veces se trata de ejemplares únicos, pero otras se producen en pequeñas ediciones. Otras veces se trata de objetos intermedios entre la pintura y/o el grabado, y la escultura. Otras, el carácter lo aporta el hecho de tratarse de intervenciones sobre libros ya editados, lo que se conocen como libros alterados. Como se ve, el campo de las posibilidades es amplio y no está cerrado.

Proyecto 5 Escenografía

¿Qué es una escenografía?

Son todos los elementos visuales que conforman una escenificación, sean corpóreos (decorado, accesorios), la iluminación o la caracterización de los personajes (vestuario, maquillaje, peluquería); ya sea la escenificación destinada a representación en vivo (teatro, danza), cinematográfica, audiovisual, expositiva o destinada a otros acontecimientos.

Es el decorado que se realiza para ambientar la obra de teatro. Con la escenografía el foro se puede convertir en una sala, un bosque, un desierto, un barco…; puede ser de día o de noche. También puede ser un sitio fantástico.

Tipos

Existen tres tipos de escenografías: la bidimensional, la tridimensional y la que combina a ambas.

a) Escenografía bidimensional

Se realiza en una superficie plana. Se pinta sobre una gran tela que se coloca al fondo, pero también se puede pintar sobre una pared de cemento o de madera. Puede haber elementos menores también planos, que se realizan con diferentes materiales.

Contiene elementos rígidos y elementos flexibles. Los rígidos se apoyan en el suelo y los flexibles van colgados y se realizan en tela o papel. El elemento flexible más importante es el telón. Aparte del telón del frente, que cubre el decorado, puede haber otros telones, llamados de fondo y rompimientos. Los elementos rígidos son realizados con madera, cartón, papel u otros materiales que se recortan y pintan para dar la idea de árboles, muebles y otros objetos.

b) Escenografía tridimensional.

Es el decorado que incluye objetos, como sillas, mesas, lámparas y otros.

c) Escenografía combinada

Contiene una escenografía plana de fondo y varios elementos tridimensionales en el foro.

Elementos

Escenario

• EMBOCADURA: Abertura del escenario que separa el espacio donde actuarán los actores, de la sala donde está el público.
• MANTO: Pieza de tela o papel pintado situada en la parte superior de la embocadura y que sirve para dar mayor o menor altura a ésta.
• LATERALES: Piezas de tela o papel pintado situadas una a cada lado de la embocadura y que son móviles para poder dar más o menos anchura al espacio escénico.
• TELÓN DE BOCA: Pieza de tela o papel pintado situada normalmente detrás del manto y que sirve para esconder, antes de la representación, lo que hay dentro del escenario. Sube y baja o bien se abre por en medio hacia los lados.
• TELAR: Estructura de la parte superior del escenario de un teatro, provisto de poleas y cuerdas, que permite poder bajar o subir los telones en el punto conveniente. Conviene que los telares tengan una altura superior al doble de la altura de los telones de los decorados, para que se puedan esconder y no se vean desde el público.
• CORTINAS LATERALES: Son unas piezas, generalmente de tela, situadas a ambos lados del escenario a una distancia igual a la abertura de la embocadura, Su función es evitar que el público vea qué pasa «entre cajas», es decir, en el espacio existente entre las cortinas laterales y las paredes laterales del escenario.
• BAMBALINAS: Son unas piezas de tela o papel, lisas o arrugadas, que hacen una función similar a las cortinas laterales, pero en sentido vertical; es decir, evitan que el público pueda ver lo que hay entre ellas y el telar.
• BARRAS: Son unas barras, generalmente de madera, que cuelgan del telar por medio de unas cuerdas pasadas por las poleas, y que permiten hacerlas subir o bajar según convenga. FORILLO: Son unas piezas tipo biombo que evitan que el público pueda ver lo que hay fuera de la escena propiamente dicha. Cubren también espacios abiertos como puertas y ventanas. En ocasiones esos forillos están pintados y entonces forman parte del decorado.
• CICLORAMA: Consiste en un fondo semicilíndrico de color neutro o blanco sobre el cual se puede proyectar luz. Se utiliza a menudo para crear la ilusión de un cielo.
• ESCOTILLONES: Son unas aberturas practicadas en el suelo del escenario y que se pueden abrir o cerrar a voluntad, generalmente hay una a cada lado del escenario y a veces una al fondo, centrada. Estos escotillones tienen un mecanismo que eleva una plataforma donde se pueden situar tanto los actores como elementos escenográficos que tengan que aparecer o desaparecer. En las representaciones de los Pastorcillos, tienen un papel primordial, tragándose los demonios o haciéndolos aparecer.

Todavía hallaríamos otros elementos fijos en algunos escenarios, pero los indicados son los más corrientes.

Elementos escénicos

1) Laterales

2) Proscenio

3) Escena

4) Barra (con un telón

colgado)

5) Barra (que sostiene una

bambalina)

6) Barra (que sostiene las

cortinas laterales)

7) Barra (con un telón de

fondo colgado)

8) Cuerdas que mueven las

barras

9) Visuales

10) Firme de rocas

11) Aplique

12) Forillo

13) Bambalina

14) Cortina lateral

Decorados

Los decorados pueden constar de un solo elemento o de diversos, pueden ser pintados o construidos. Los decorados clásicos, formados por telones, rompimientos, firmes, y apliques según la jerga teatral.

• TELÓN: Pieza de tela o de papel pintado y que generalmente ocupa toda la altura y anchura del escenario.
• TELÓN DE FONDO: Es el telón que va al fondo del escenario y que no tiene ninguna abertura. Generalmente son celajes o bien paisajes que dan la sensación de profundidad.
• ROMPIMIENTO (Telón recortado que en una decoración de teatro deja ver otro u otros en el fondo) Pieza pintada y que ocupa una parte de la anchura de la escena; una escenografía puede tener diversos rompimientos, situados uno detrás de otro.. Lo mismo los telones que los rompimientos irán colgados de las barras, y por lo tanto estarán paralelos a la boca del escenario.
• VISUALES: Son unas piezas situadas en cualquier posición respecto a la boca del escenario. Como estas piezas no pueden estar colgadas de las barras, ya que no coinciden con el paralelismo de ellas, hará falta, para, poder sostenerlas de pie, proveerlas de una «armadura».
• ARMADURA: Se hace con unas tiras de madera de 2,5 cm de grueso y 5 cm de anchura que van bordeando todo el contorno exterior de las visuales. Se sostienen con los “remos”.
• REMO: Cada una de las barras de hierro con los extremos en ángulo que sirven para sostener las visuales. Los remos se clavan en el suelo y detrás de las visuales, formando un triángulo con la visual y el suelo del escenario.
• FIRME: Pieza baja que sirve para esconder rampas, asientos, escaleras, etc. Generalmente simulan rocas, matojos, barandillas, etc.
• APLIQUE: Pieza concreta más grande que las firmes y que constituye un elemento entero que puede formar parte de diversos decorados, como los faroles, fuentes, cruces de término, árboles, etc.

Elementos técnicos

1) embocadura

2) laterales

3) manto

4) telón de boca

5) ciclorama

6) guía que sostiene el ciclorama

7) telar

8) escena

9) escotillones

10) proscenio

11) foso

12) paredes laterales

13) pared del fondo

14) elevadores

Teatro de Sombras

El origen del Teatro de Sombras se remonta a los tiempos del hombre prehistórico, cuando éste hacía sombras con sus manos y su cuerpo frente al fuego de las cavernas.

Ya en el siglo IV a.C. en el Mito de la Caverna de platón se nos presentan las sombras como indicadores de la realidad que no son ellas, pero que suponen el continuo recuerdo y referencia de esa realidad del ser.

Los orígenes del teatro de sombras los encontramos en la India y en China.

• En India y después en Indonesia el titiritero de sombras era un hombre muy especial llamado Dalang, era un artista sacerdote y al representar las epopeyas a través de las sombras entraba en contacto con el mundo superior y restablecía el equilibrio entre las fuerzas negativas y positivas de la comunidad. Por otro lado a través de los mitos tenía la función de educar y transmitir valores al pueblo.
• En Indonesia esta tradición se mantiene muy viva y continua estando ligada a los rituales y a la unión y comunicación con la comunidad.

La sombra representa en casi todas las culturas el alma como ente separable del cuerpo y capaz de sobrevivirlo. Representa la fuerza oculta o espiritual de las cosas, su aura.

La sombra equivale a magia, a los sueños, al subconsciente, a la muerte, al más allá, al alma, al espíritu. Sus formas inestables y siempre cambiantes son una invitación al juego imaginativo y creativo, una constante estimulación de la fantasía.

Es por ello que las sombras representan historias con una fuerte carga fantástica, por sus posibilidades de insinuar sin dejar ver, de deformar

Teatro Negro

El teatro negro de Praga (černé divadlo) es un tipo de representación escénica muda que se caracteriza por llevarse a cabo en un escenarionegro a oscuras, con una iluminación estratégica que da lugar a un fantástico juego de luz y de sombras.

El teatro negro es principalmente llevado a cabo en Praga, capital de la República Checa, que le da su nombre.

La técnica empleada le distingue de otros tipos de representación teatral. Se utilizan cortinas negras, un escenario de color oscuro, linternas negras y trajes fosforescentes. Esta técnica de la caja negra fue desarrollada por Georges Méliès, y por el innovador Stanislavsky. La danza, las representaciones mímicas y las acrobacias tienen igualmente una gran importancia en el teatro negro.

En este proyecto investigamos a cerca de diferentes tipos de escenarios, ademas de las investigaciones de teatro negro y teatro de sombras las cuales fueron nuestra base para la creación de nuestra escenografía, con la cual vamos a tener la oportunidad de representar una historia por medio de sombras y teatro negro.

Exposiciones y visitas extra-clase

Durante este curso tuvimos la oportunidad de visitar el museo de ciencias naturales de la Salle para complementar nuestra investigación de biónica y eco-diseño y asi tener mas referencias para la creación de nuestra empresa.

y también visitamos a don Guillermo dueño de un taller de mascaras y ganador del premio nacional a la cultura popular para que nos sirviera como apoyo para la elaboración del proyecto de retícula modular. Y ademas de esa visita don Guille nos visito de vuelta en la u donde tuvimos la oportunidad de aprender mas como se hace las mascaradas y fabricar una nosotros mismos la cual decoramos con nuestras retículas.

Conclusión del curso

Durante este curso aprendimos la importancia de los bocetos bidimensionales y los tridimensionales a la hora de presentar nuestra idea a un cliente.

Aprendimos varios conceptos de diseño tridimensional que nos ayudan para la presentacion de nuestros trabajos, y descubrimos que todo nos puede inspirar para diseñar, desde cultura, amigos, familiares hasta la naturaleza y ademas la investigación de escenografía nos enseña que hay varios tipos de montar un escenario que nos sirven para conciertos, obras de teatro y hasta nos ayudan para el lanzamiento de alguna campaña o producto.

Siento que este curso fue muy provechoso por todo lo que aprendimos y ademas de eso descubrir que podemos diseñar siendo amigos del medio ambiente utilizando productos reciclados como en varios trabajos y este conocimiento adquirido va a ser de mucha ayuda para un futuro.