con esto aprendimos que todo de alguna forma u otra nos inspira creatividad y ademas conocer las ventajas de bocetar y diseñar en 3d que nos facilita mas a la hora de presentarle la idea a un cliente, ya que se asemeja mas a realidad.
jueves, 5 de agosto de 2010
Introducción
Este curso de diseño se trata de aprender a diseñar en 3D y para ello tuvimos que utilizar la naturaleza, el entorno, la cultura nacional y la música entre otras cosas como inspiración.
Proyecto personalidad
Este proyecto consistió en la representación abstracta de la personalidad en 3D.
Justificación del diseño:
Las semi-esferas de estereofón representan lo que mas resalta de mi personalidad; la roja hacve referencia al amor, la amarilla representa la alegría, la celeste representa la paz y la tranquilidad, y la violeta representa el valor de la amistad.
los círculos de escarcha son los sueños, ya que resaltan y se encuentran en varias partes de la maqueta, por lo que da a entender la importancia y que nunca se pueden perder.
el alambre representa como el hilo o lo principal de la personalidad que es la dulzura por lo cual esta pintado de color rosa y cuelgan de el pequeños pedazos de fieltro. Utilice este material por ser suave, y los diferentes colores representan la tranquilidad, alegría, amistad, sueños, contacto con la naturaleza y el color gris porque todos tenemos momentos en los que presentamos un carácter fuerte dependiendo de la situación.
por ultimo la base de la maqueta es negra porque representa la profundidad de la personalidad, ya que es algo interno, sin embargo resaltan mas los colores, en este caso los buenos sentimientos.
Conceptos de diseño tridimensional
Percepción
Para hablar de dimensión primeramente se debe tocar el tema de la percepción.
Percibir consiste en elaborar una descripción mental a partir de la realidad observada. Nuestra mente tiene la capacidad de procesar millones de imágenes, sonidos, sensaciones (etc) a la misma vez, esto, debido a sistemas de organización del cerebro, por lo que la suma de todos estos estímulos es igual a la experiencia en sí.
Forma y Estructura
Es lo que constituyen todos los elementos visuales. En este sentido no es solo una forma que se ve, sino una figura de tamaño, color y textura determinados. La manera en que es creada, construida u organizada junto a otras formas, es gobernada por la estructura.
Gestalt significa estructura ó forma. Este término se relaciona a la percepción dado a que mediante varios de sus principios podemos organizar los estímulos recibidos para darle forma a la experiencia. Algunos de sus principios se mencionan a continuación:
• Ley de conexión - un conjunto de elementos conectados entre sí tienden a percibirse como una figura.
• Ley de cierre - el interior de un contorno cerrado tiende a ser percibido como figura antes que como fondo.
• Ley de proximidad - elementos cercanos tienden a percibirse como una figura de nivel superior.
• Ley de similitud - un conjunto de elementos semejantes tienden a percibirse como pertenecientes a una figura.
• Ley de buena forma - prevalece una descripción en términos de formas sencillas por encima de una en términos de formas complejas.
• Ley de simetría - las regiones simétricas tienden a percibirse como figuras antes que las regiones asimétricas.
• Ley de constancia - en una imagen con ambigüedad entre figura y fondo, estas tienden a permutar su carácter sin intercambiar los elementos que las componen.
Diseño bi-dimensional
El principal objetivo del diseño bi-dimensional es establecer una armonía y un orden (ambos visuales) o generar una excitación visual dotada de un propósito.
El diseño bi-dimensional es plano y estable acorde a la visión binocular de los seres humanos. La percepción que tengamos del diseño bi-dimensional se debe a los 4 elementos de expresión visual que tengamos en él. Los 4 elementos son:
• Conceptuales - el punto, la línea, el plano y el volumen.
• Visuales - la forma, la medida, el color o la textura.
• De Relación - la dirección, la posición, el espacio y la gravedad.
• Prácticos - la representación, el significado y la función.
Diseño tri-dimensional
En forma similar a la bi-dimensional, el diseño tri-dimensional procura a si mismo establecer una armonía y un orden visuales o generar una excitación visual dotada de un propósito, excepto porque su material es el mundo tri-dimensional. Es más complicado que el diseño bi-dimensional porque deben considerarse simultáneamente varias perspectivas desde ángulos distintos y porque muchas de las complejas relaciones espaciales no pueden ser fácilmente visualizadas sobre el papel. Pero es menos complicado que el diseño bi-dimensional porque trata de formas y materiales tangibles en un espacio real, así que todos los problemas relativos a la representación ilusoria de formas tri-dimensionales sobre un papel (o cualquier otra superficie lisa) pueden ser evitados.
Módulo
Un módulo es una estructura o una forma que se repite múltiples veces en un diseño. Puede ser bi-dimensional o tri-dimensional.
Retículas
Una retícula está compuesta tanto por líneas verticales como horizontales que se cruzan entre sí. En diseño, las retículas sirven de guía para el posicionamiento de los módulos y de esta manera, generar nuevas direcciones y consecuentemente un diseño.
Las retículas pueden ser regulares o irregulares, dependiendo del propósito y del diseño deseado. Acá es donde se pueden aplicar distintos elementos del diseño como lo son:
• Reflexión - Un módulo es reflejado (como en un espejo) dando como resultado una nueva forma que es idéntica a la original pero en dirección inversa.
• Gradación - Es una transformación o un cambio, de forma gradual y ordenado, en donde la secuencia y el orden son de gran relevancia para reconocer el efecto.
• Rotación - Es cuando, sobre el mismo plano, se rotan las esquinas o bordes de una posición a otra, sin que se afecte la dirección global del plano.
Plano Seriado
El plano seriado es la disección volumétrica de la forma o estructura y posicionamiento de cada parte con separaciones, de manera en que se de la sensación de que cada corte sea un módulo, en repetición o gradación.
Pared modular
Una pared modular es una serie de módulos tridimensionales posicionados de manera en que asemejen a una pared. Estos módulos pueden ser simétricos o asimétricos pero deben tener un encastre que asegure su estabilidad como pared.
Proyecto 1 Retícula modular
Después de haber estudiado el trabajo realizado por M. C. Escher aplicamos al técnica de retícula modular para este proyecto el cual consiste en que el diseño se conecte sin dejar espacios en blanco en la hoja o realizar las famosas transformaciones.
Nosotros aplicamos estos conocimientos a la cultura de las mascaradas en nuestro país, lo que significa que nuestra retícula esta basada en los famosos "payasos". Como objetivo del proyecto siento que consistía en involucrar algo que nos caracteriza cono país y aplicarlo al diseño de productos, elaboración de sellos, aplicación a los famosos calidociclos de Escher y por ultimo decorar una de estas famosas mascaras con nuestros diseños.
Cultura costarricense (máscaras)
Mascaradas en Costa Rica:
Los payasos y las mascaradas son una antigua costumbre muy arraigada dentro del pueblo costarricense. Es común ver durante las actividades de las Fiestas Patronales (en honor al Santo patrono de cada pueblo) a niños corriendo por las calles detrás de los payasos. Generalmente las mascaradas bailan alegremente con la música de la banda llamada “cimarrona”.
Estas tuvieron su nacimiento en Cartago; en honor a la virgen de los Ángeles, ya que según la documentación fue en la iglesia donde apareció la primera mascarada la cual hace referencia a una giganta. Luego la tradición se extendió a Barva de Heredia y Escazú.
La presencia de estas mascaradas en las fiestas se da en dos zonas culturales:
- Valle central
- La población indígena boruca
El gobierno firmó un decreto para instaurar el Día de
Más que nada las mascarados son una forma de mantener la cultura costarricense ya que atreves de ellas le dan vida a personajes del folklore costarricense y a las leyendas de pueblo.
Con los años han ido agregando más personajes autóctonos del país, así como figuras públicas, figuras políticas y hasta jugadores de fútbol.
Investigación Escher
Maurtis Cornelis Escher
Mejor conocido como M.C. Escher.
Es un artista holandés, conocido por sus grabados en madera, Xilografías y litografías que trataban sobre figuras imposibles, tescelacion y mundos imaginarios.
A lo largo de su carrera realizó más de 400 litografías y grabados en madera, y también unos 2.000 dibujos y borradores. Como artista, M.C. Escher resulta difícil de clasificar. No basa su trabajo en los sentimientos, como otros artistas, sino simplemente en situaciones, soluciones a problemas, juegos visuales y guiños al espectador. Visiones, en ocasiones, que le sobrevenían por las noches, que pasaban por su imaginación y que creía merecedoras de ser plasmadas en sus cuadros.
Él mismo reconocería que no le interesaba mucho la realidad, ni la humanidad en general, las personas o la psicología, sino sólo las cosas que pasaban por su cabeza.
En ciertro modo era alguien introvertido, dicen incluso que de trato difícil, que prefería crear su propio universo.
Una de sus principales características es la dualidad y la búsqueda del equilibrio, la utilización del blanco y el negro, la simetría, el infinito frente a lo limitado, el que todo objeto representado tenga su contrapartida.
Jugó con la representación en tres dimensiones para generar obras que saltaban por encima de las normas, produciendo efectos tan imposibles como llamativos o llevando al límite las posibilidades que le permitía dicha representación.
Teselaciones
Teselación, o embaldosado, es la división del plano en sectores de forma idéntica.
Jugó con la representación en tres dimensiones para generar obras que saltaban por encima de las normas, produciendo efectos tan imposibles como llamativos.
Figuras Imposibles
En 1958, Penrose ideó una figura imposible a la que denominó "tribar". Si observamos la imagen se trata aparentemente de un triángulo tridimensional, pero que en realidad es imposible de construir, sólo existe como dibujo.
Calidociclos:
Un calidociclo es un anillo de tetraedros generalmente no regulares. Los calidociclos fueron inventados en 1977 por los americanos Doris Schattschneider y Wallace Walker.
Los calidociclos pueden girar sobre su centro actuando como bisagras las aristas que unen los tetraedros.
Proyecto 2 Elemento Natural
En este proyecto aplicamos los términos de Biónica y Eco-diseño con el fin de generar ideas y aplicarlas a una empresa o producto especifico.
Durante este proceso llevamos a cabo la elaboración de un logotipo y slogan para una empresa ademas de el nombre de la misma el cual tomamos como base el nombre científico de nuestro elemento natural.
Como elemento escogí una especie marina, medusa del mediterráneo llamada científicamenteCotylorhiza Tuberculata y de ahí el nombre de mi empresa Lorhiza-Deco.
La empresa es de iluminacion para interiores y exteriores.
El logo es la forma de la medusa y los colores utilizados fueron escogidos para dar sensación de luz.
La idea que nos quiere dar este trabajo en que podemos inspirarnos en la naturaleza para diseñar, innovar, desarrollar ideas y decorar; aplicando eco-diseño orientada hacia la prevención o reducción del impacto ambiental de los productos y su proceso. por lo que gran parte de este trabajo se realizó con material reciclado.
Investigación de biónica
¿Qué es la biónica?
— —Es una rama de la cibernética que estudia la biología con el fin de obtener conocimientos útiles para idear proyectos y realizar aparatos y sistemas electrónicos.
— —Trata de simular el comportamiento de los seres vivos haciéndolos mejores en casi todas las ramas por medio de instrumentos mecánicos.
— La biónica ha existido desde el principio del ser humano.
— Comenzó con la creación de herramientas o artefactos que ayudaron al hombre a desempeñarse mejor en su ambiente.
— Existen inventos modernos que están inspirados en modelos biológicos tales como:
✓ El Radar: Inspirado en la eco-localización que utilizan los murciélagos para no chocar en la oscuridad.
✓ El Velcro: Basado en aquellas plantas que se adhieren a las ropas por medio de ganchillos.
✓ Trajes de buzos: Hechos de un material que se asemeja a la piel que cubre a los delfines.
¿Qué es el eco-diseño?
— Se refiere a la metodología aplicada al diseño de un producto y de su proceso de fabricación orientada hacia la prevención o reducción del impacto medioambiental de esos productos y procesos.
— Las prácticas del eco-diseño se distinguen por integrar criterios medioambientales al producto y su proceso a lo largo de su ciclo de vida.
— El eco-diseño no es más que el proyectar algo con el mínimo uso de recursos (agua, energía,materiales) y la mínima generación de desechos (vertidos, emisiones,residuos) en cada una de las etapas del ciclo de vida.
— Esto supone ahorro para el que produce y beneficios para el medio ambiente.
Aplicaciones
— Sillón: Papel prensado extensible que se moldea como un sillón y se degrada fácilmente al cumplir su vida útil.
— Esculturas: Elaboradas con botellas plásticas y material reciclado en general.
— Asientos: con madera de bosques cultivados, algodón orgánico, látex natural, cáñamo natural, y su terminación está aplicada con linaza natural. Cómodos y dinámicos.
— Bio-Glass: Realizado100% a base de vidrios reciclados, los colores dependen de los componentes de dichos materiales.
Proyecto 3 Móvil
Móvil
Este proyecto consistió en la representación abstracta de una pieza musical a travez de un móvil; para ello investigamos a ciertas personas que destacan en esta área.
La experiencia fui muy divertida y satisfactoria ya que es muy impresionante como cada persona percibe la música y como se identifica el móvil con la pieza musical.
Mi móvil se llama memories esta inspirado en la pieza musical de Richard CLayderman "Balada a Adelina"
Descripción de la pieza:
Perceptual:
- Alegría
- Nostalgia
- Cariño
- Tranquilidad
- Amor
- Ilusión
Formal:
- Equilibrada
- Secuencia
- Acento
- Simetría
- Pregnancia
- Actividad
Arte cinético y Op Aart
El arte cinético y el Op art son obras basadas en la estética del movimiento.
Pueden ser representados por móviles los cuales si tiene movimiento propio debido a los materiales pero se fundamenta en ilusiones ópticas a diferencia del Op art que la idea es provocar en el espectador ilusiones de vibración o relieve, como lo podemos ver claramente en la obra de Vasarely, la Zebra.
Como principales representantes de estos movimientos están Alexander Calder famoso por sus móviles y considerado uno de los más innovadores del siglo XX, y precursor de la escultura cinética.
Y Víctor Vasarely considerado a menudo como el padre del Op Art.
El arte cinético y el arte óptico son corrientes artísticas basadas en la estética del movimiento. Está principalmente representado en el campo de la escultura donde uno de los recursos son los componentes móviles de las obras.
Arte Cinético: Puede basarse en las ilusiones ópticas, en la vibración retiniana y en la imposibilidad de nuestro ojo de mirar simultáneamente dos superficies coloreadas, violentamente contrastadas.
Las primeras manifestaciones de arte cinético se dan en los años 1910, en el movimiento futurista y en ciertas obras de Marcel Duchamp. Más adelante, Alexander Calder inventa el móvil, un tipo de escultura formada por alambre y pequeñas piezas de metal suspendidas que son movidas ligeramente por el desplazamiento del aire. La expresión arte cinético es adoptada hacia 1954, para designar las obras de arte puestas en movimiento por el viento, los espectadores y/o un mecanismo motorizado.
En pintura y esculturas es una tendencia contemporánea creada para producir una impresión de movimiento.
Arte Óptico (Op Art): Es otro movimiento artístico que se inició a finales de los años 50. Consiste en transmitir al espectador la ilusión de vibración o relieve, gracias a las leyes de la óptica, sobre la superficie plana de un cuadro. A diferencia del arte cinético aquí no hay movimiento real. Algunos autores señalan que el origen remoto del Op Art puede derivarse tanto de las bellas artes como de las artes populares o de la artesanía. Esta expresión tiene su origen en la expresión inglesa de arte óptico: Optical Art.
Constructivismo: El constructivismo fue un Movimiento Artístico y Arquitectónico que surgió en Rusia en 1914 y se hizo especialmente presente después de la Revolución de Octubre.
Es un término de uso frecuente hoy en el arte moderno, que separa el arte "puro" del arte usado como instrumento para propósitos sociales, a saber, la construcción del sistema socialista.
Este movimiento implica que la obra de arte sea una construcción, que se articule como un edificio y se realice siguiendo métodos análogos.
Victor Vasarely: Fue un artista al que se ha considerado a menudo como el padre del Op Art.
Comenzó a estudiar medicina en Hungría, pero dejó la carrera al cabo de dos años. Se interesó entonces por el arte abstracto y por la escuela de Muheely (principios de la Bauhaus),
Se trasladó a París al principio de los años 1930 y allí trabajó como grafista. En esta ciudad desarrolla su primer trabajo mayor, Zebra, que se considera hoy en día la primera obra de Op art. Durante las dos décadas siguientes, Vasarely desarrolló un modelo propio de arte abstracto geométrico, con efectos ópticos de movimiento, ambigüedad de formas y perspectivas, e imágenes inestables. Utilizó diversos materiales pero usando un número mínimo de formas y de colores. Tenía consideración por la pintura mesurada, reposada, racional y serena (redes, tramas).
Alexander Calder: Escultor estadounidense de gran vitalidad y versatilidad, famoso por sus móviles, considerado como uno de los artistas más innovadores e ingeniosos del siglo XX.
Es mejor conocido como el inventor del móvil o chupín (juguete móvil colgante), un precursor de la escultura cinética.
En 1926, se trasladó a París y comenzó a crear figurillas de animales de madera y alambre; de aquí fue que desarrolló sus famosas miniaturas circenses. En los años 1930, se hizo célebre en París y los Estados Unidos por sus esculturas de alambre, al igual que por sus retratos, sus bosquejos de línea continua y sus abstractas construcciones.
En escultura el móvil (en inglés mobile) es un modelo abstracto que tiene piezas móviles, impulsadas por motores o por la fuerza natural de las corrientes de aire motorizadas.
Carlos Cruz-Diez: Es uno de los máximos representantes del op art a nivel mundial. Nació en Caracas, Venezuela. La obra artística de Cruz-Díez ha sido catalogada a veces como sistemática o automática. Sin embargo, tal apreciación es sumamente precipitada y superficial. La sensibilidad artística de la obra de Cruz-Díez reside en su carácter experimental; el autor no busca un arte intimista, por considerarlo egoísta: y aunque trabaja apoyado en patrones, ritmos y sistemas, para Cruz-Díez, el arte debe ser experimentado, vivido y compartido. Por ello se centra en recrear el entorno propicio para que las personas vivan el arte, logrando una interactividad entre la obra y su observador: así se elabora un arte que busca situar a quien lo disfruta como parte de él, y hacerle conocer que la experimentación con el entorno es lo que construye su forma de arte. De allí el juego con los colores y los reflejos entre obra y espectador: el humanismo de la obra de Cruz-Díez la crea el observador cuando participa de él, su relación con el ser humano estriba en las reacciones emotivas e incluso físicas que despiertan las obras en éste.
Jesús Rafael Soto: Nacido en Ciudad Bolívar, al sur de Venezuela, el 5 de junio de 1923, empezó pintando carteles para los cines y obtuvo una beca para cursar estudios en la Escuela de Artes Plásticas de Caracas. A comienzos de la década de los años cincuenta, creó las primeras manifestaciones del arte cinético. En principio se trataba de cuadros estáticos que provocaban la sensación de dinamismo o vibración merced a la superposición de materiales y al movimiento del espectador frente a la obra. Basándose en elementos sencillos, tales como líneas, cuadrados y puntos, alineados en un determinado orden y repetidos, fue creando un estilo personalísimo que adquiría pronto el rango de escuela pictórica.
Julio Le Parc: Pintor cinético, dibujante y grabador argentino formado en Francia, que en 1960 fundó el Groupe de Recherche d'Art Visuel (GRAV). Artista revolucionario e innovador que ha contribuido con sus obras al arte cinético y óptico. Desde 1958 reside en París, ciudad donde abandonó los medios tradicionales y clásicos de la pintura para experimentar en resonancias, movimientos rotatorios y giratorios, reflejos, luces y sombras. Fundó escuelas de arte e investigó sobre lo visual, el movimiento y los colores, creando junto a otros vanguardistas argentinos y franceses la Nueva Tendencia del Arte Cinético.
Yaacov Agam: Comenzó sus estudios artísticos con el maestro Mordechai Ardon en la Escuela de Artes y Oficios de Bezalel, luego se trasladó a a Zúrich y luego a la Academia de Arte Abstracto de París.
Su obra se destaca por la interactividad que existe entre artista y espectador ya que las obras de Agam suelen tener una pantalla y pequeñas perforaciones por las cuales la obra se ve de distintas maneras según el enfoque de quien mira su arte. Por otra parte, sus esculturas son generalmente de acero inoxidable y tienen grandes dimensiones.
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